Изкуството като такова или САМОТО ТО, Денис Безносов, Изкуство, Топос
Изкуството като такова или ТО Е НАЙ-МНОГО
(за изложбата "Чиста концепция: Цвят. Звук. Линия")
Цвят, звук, линия - поглед върху изкуството през микроскоп, изследване на основните компоненти на изкуството, неговите дълбоки основи. Една чиста (която може да се разбира и като пречистена) концепция разкрива анатомията на едно произведение на изкуството, позволява ви да погледнете вътре в структурата, зад кулисите. Там, извън вниманието на възприемащия, лежи основата на материята – кондензация от първични протосмисли, все още неразшифровани твърдения, имитиращи мълчание. Необходимо е да се взрете/слушате/мислите, за да разпознаете микроосновата на това, което се създава. Дешифрирането изисква усилия.
Творецът отваря вратата на своята работилница, предлагайки на субекта отвън да надникне какво се случва там; това е опит за двойствено познание на изкуството - чрез ума на външен субект и чрез собственото съзнание, създадено след творбата.
Сдружение „Антиподи“ иАлманах „Чернова“ представиха съвместен проект – сборник с произведения под общото заглавие„Чистото понятие: Цвят. Звук. Линия». В проекта взеха участие 25 художници и поети от различни страни: Михаил Богатирьов (Франция), Татяна Бонч-Осмоловская (Австралия), Тамара Буковская (България), Всеволод Власкин (Австралия), Михаил Вяткин (България), Николай Вяткин (България), Тим Гейс (Австралия), Борис Гринберг (България), Марко Джовен нале (Италия), Елвина Зелцман (САЩ), Гали-Дана З Ингер (Израел), Юрий Зромович (Украйна), Александър Жуков (България), Сергей Ковалски (България), Едуард Кулемин (България), Рафаел Левчин (САЩ), Виктор Махараджа (България), Вили Мелников (България), Валери Мишин (България), Александър Очеретянски (САЩ), Алдо Тамбелини (САЩ), Андрю Топел (САЩ),Александър Федулов (България) и Евгений В. Харитонов (България).
„Концептуалната изложба, която сме замислили, включва основните съставки на същността на изкуството. Изкуството като такова, - пишат в предговора кураторите на изложбата Т. Бонч-Осмоловская и А. Очеретянски, - Да надникнеш, да различиш, да разкриеш. Материята е плътна, но се отваря към връстника. Животът е показателен. Непредвидим в цялото си многообразие. Ясно е, че буквалното не е НАЙ-МНОГО. Но това, което се подразбира, не винаги се разбира.
Постмодерното противопоставяне означаващо/означаемо навлиза в нова фаза. Художникът представя вниманието на изкуството, което възприема микрочастиците, придружавайки ги с една или друга интерпретация, но отчитайки безпомощността на единственото, което се внушава. Множеството конотации е естествено, тъй като пред нас стои именно „чистата концепция” (опит да усетим „ТОВА Е ТОВА”). След като разберете микрото, можете да разберете макрото. Метаматерията по същество е отражение на субатомните частици.
Но това, което е необходимо, е систематично представяне на концепцията. „Необходима е градация“, продължават кураторите, „за да не се задавим, да не се удавим в неудържимия поток от работа. Необходими са и обяснителни текстове към всяка от представените серии творби от всички участници в нашата акция.
По същество работата на А. Федулов е двуизмерна поетична композиция, която отчита всички възможни варианти за интерпретация на читателя. Остава само да усетите какво се случва и да направите избор. Или да не го правите и да седнете наведнъж на всички столове, а в различни пространства.
Пред нас е триединство от фотографии (превърнати в диптих) или сегментирана поетична концепция, изразена чрез образ. Първата снимка е вариация на тема линия и цвят; растящо растение еметафора за раждане-продължение на живота, т.е. раждане в света на въздуха, но продължаването на неговия вектор в света на земята (оттук и коренът, разположен в центъра на композицията). Втората снимка съществува в пресечната точка на цвят и звук. Виждаме дъжд, замръзнал в безтегловност; третият - по същество същият дъжд, този път скрит зад изображение на цъфтящи растения, прилепнали към стъблени вектори - чистият цвят е компилиран с чиста линия.
Чрез водата, която има много митологични конотации, възприемащото око едновременно усеща минимализъм, дори аскетизъм (на техниките, уловени във снимката на предмети, цветове) и, обратно, епичност, всеобхватност (темата на творбата, мащабът на цветовата концепция, отново митологичният компонент). И така, естественото излъчване само по себе си, без всякакви ретуши и корекции, създава произведение на изкуството, разположено някъде на кръстопътя на фовисткото платно и абстракцията; задачата на поета-художник е да структурира това, което вижда, така че впоследствие то да се превърне в художествен изказ.
Преди цикъла от произведенияна Гали-Дана Сингер „Хамадриади или неуспешни дървета“ е поставен доста голям предговор / епиграф, представен под формата на фрагмент от морал. В предговора природата на дърветата е разгледана иронично и така да се каже с постмодерни интонации. Въпреки това, с по-детайлно потапяне във фотографските произведения от цикъла Хамадриада, възприемащият субект е по-вероятно да се сблъска с някаква философска меланхолия, отколкото с ирония.
Заглавието на поредицата от творби е любопитно: Хамадриадата е дървесна нимфа, олицетворение на душата на дърво, умиращо с него. За разлика от обикновената дриада, хамадриадата се ражда и умира заедно с дървото, неотделима от дървесната си обвивка. „Провалът“ на Хамадриада може да се разбира катотрагичната невъзможност за (повторно) свързване с оригиналната си материална форма. Или е възможно да се тълкува техният "провал" по друг начин: като се вземе за основа опозицията "дриади - хамадриади", очевидно е да се приеме, че от тази гледна точка дриадите са успешни, а хамадриадите не са; тези. невъзможността да живееш вечно, без да умреш заедно с дървесното си тяло, се тълкува като невъзможност да станеш част от истинско дърво, неуспех да се въплътиш.
Въпреки значителния провал, ясно виждаме лицата им през кората на дървото. Това са призраци от генеалогичната природа на живота. Поетът приканва възприемащия субект да проследи самата поява на лица върху дебелината на дървото. Всяка снимка е строфа от едно поетично произведение (така че може да се заключи, въз основа на вече споменатото твърдение на А. Очеретянски, че „едно стихотворение може да бъде всичко, включително снимка“); всяка фотострофа е нов етап от появата на лицето на Хамадриада. Нестабилните, едва забележими очертания на първите снимки постепенно (при преминаване от едно изображение към друго) се трансформират в по-отчетливи петна от очи, вежди, нос, уста и т.н. в последните строфи. Следвайки очертанията, изражението на лицата на дърветата също се променя - от широко отворени очи, изпъкнали от изненада, преминаваме към съсредоточен поглед, след това към замислена и в същото време трогателна меланхолия и накрая, през уплашено отчаяние - към тъгата на две слети хамадриади. Душата на дървесното тяло намира своето материално въплъщение в тези моментни полуабстрактни портрети, въпреки своя провал и в крайна сметка безпомощност.
След дуалната композиция „Преход” ни се предлага още един процес на деформация, тематично свързан с предходния – това е динамиката на сливането на архетипите на Великата богиня и Кентавъра. Такапоявява се "Богинята-кентавърса"; раждането му се случва пред очите ни по подобен парадоксален начин, точно както архетипните лица възникват на равнината на океанската повърхност. Художниците показват анатомията на архетипа, самите корени на метаметафората - долния и средния свят в първата серия творби, средния (човешкия) и горния (божествения) - във втората. Вероятно "Богинята-кентавърка" е най-пряко свързана с всички нива на света. Вярно, това е само един от възможните подходи към разглеждането на "Прехода".
Това е буквалното представяне на числото PI, създадено с помощта на математическа техника. В резултат на това получаваме изображение на формулата, т.е. числената теория, спекулативна по своята същност, придобива линейно-цветен портрет. От гледна точка на изкуството абстрактното произведение се основава на логическа основа, без да губи своята художествена стойност. Достатъчно е да погледнем в дълбините на обемната паяжина, внимателно да проучим нейните контури, за да усетим естетическия компонент на сложната логическа конструкция, изградена от художника пред очите ни.
Също така работи върху чиста концепцияAldo Tambellini, но в областта на кинематографията. Неговият"затъмнение2" (грубо преведено "затъмнение") е ръчно рисуван монохромен филм от поредицата Black Films. Обектът е представен с рамкиран диптих - две изображения на абстрактни архифигури: една вълнообразна линия, наподобяваща кардиограма на първата снимка, и множество точки/кръгове на втората.
Алдо Тамбелини работи с първичната природа на киното, като Ханс Рихтер; но Рихтер се интересуваше от супрематичния микрокосмос на геометричните фигури, а Тамбелини използва символите на фигури, както хаотични, така и подчинени на определенред, докато изследва субатомното ниво на кинематографичното изкуство. Неговите минималистични образи израстват от сърцевината на материята, вкоренена в нейното тяло, неотделима от нейната метафизична същност.
Валери Мишин иТамара Буковская са представени на изложбата с редица необичайни творби под общото заглавие"Snapshots" ("моментни снимки/кадри"), което може да се разбира едновременно в две значения - фотографско и кинематографично. Беше изпратен предговор към поредица от произведения: „Все още не сте имали време да помислите - казах, все още не сте имали време да отворите устата си - разбирам.“
Утвърждава се първенството на художествения израз пред всичко случващо се, първенството дори пред мисълта, идеята. Създадените кадри са реализирани много преди мисълта за тях, те са изпреварили времето с появата си, тъй като поетът вече е разбрал всичко и вече е казал всичко, а светът все още трябва да мисли и да се опитва да отвори уста. Диапазонът на представените творби е изключително широк – от пъстър примитивистичен постмодернизъм до минималистична сухота и тиха ирония.
В две композиции, освен изображението, е поставен текст, който може да се тълкува като ключ към разбирането на това или онова нещо. Така например портрет на мъж с очила е придружен от следните думи: „Соломон, режим и въздържание, погледни ме, уви ...“. Художественото изказване, което е част от обща визуална конструкция, освен всичко друго, може да се възприеме и като отделен поетичен текст, който влиза в диалог с образа.
В съвместната работаБорис Гринберг иТатяна Бонч-Осмоловская "Hokku-minus" концепцията за първичната материя се появява във вакуумна маска. Вече споменатото в заглавието "минус" намеква за последващото изчезване. Цикълът хайку-минус е шестСтиховете на Гринберг и шест визуални произведения на Бонч-Осмоловская, корелирани по един или друг начин с текстовете на нейния колега. Номерът обаче е, че в центъра на всяко изображение трябваше да има по един куплет от Грийнбърг, но стиховете бяха умишлено изтрити. Сега можем само да гадаем за съществуващия ред и да се опитаме да го възстановим мислено, безкрайно четейки текста и след това надниквайки във визуалната обвивка: