Как да направите дебела битова версия на създателите на Ableton
Превод на няколко глави от много полезна книга за бийтмейкъри, Създаване на музика - 74 творчески стратегии за електронни продуценти
„За повечето художници нищо не е толкова вълнуващо, колкото създаването на изкуство“, гласи предговорът към книгата. „Страхът, който ни казва, че не сме достатъчно добри или не знаем достатъчно, се отразява в безброй творчески кризи и потенциални шедьоври, които никога не са виждали бял свят.“ В 350 страници ветеранът в електронния продуцент Денис ДеСантис предлага своите практически методи за преодоляване на този страх. Самата книга е разделена на три основни части – Проблеми в начален етап, Проблеми в процеса на създаване и Проблеми в завършващ етап. всяка глава предлага лесни стъпки за преодоляване на познати студийни проблеми: от започване от празен екран на проекта до завършване на отхвърлена преди това песен. Ето първата глава от всеки раздел.
Проблеми в началото / Три начина да започнете
Проблем:
Гледате във вакуума на празен проект във вашия DAW и нямате представа откъде да започнете. Обичайна ситуация?
Празният лист е може би най-плашещото нещо в цялото творческо пространство. Веднага щом се потопим в потока, нашите идеи започват да генерират още повече допълнителни идеи. Но преди да се спрем на нещо, всички възможности са достъпни за нас и затова изглежда невъзможно да изберем някоя.
„Няма значение откъде да започнем; просто го направи!" - подобен отговор звучи просто. Може да е страхотен спортен слоган, но все още е твърде силен и пренебрежителен, за да се приложи наистинатворчески процес. В края на краищата, броят на нещата, които потенциално могат да бъдат "току-що направени", клони към безкрайност и пътят напред не винаги е очевиден. Специално за вас, ето три практични съвета как да започнете от нулата.
Решение:
1.Започнете с основата. За повечето жанрове е приложима концепцията за „основата“ на музиката, която може да бъде инструменти, които звучат в нискочестотен регистър, или чисто ритмични, като бас или барабани. Над тях има инструменти, чийто честотен диапазон е много по-висок. Започвайки от основата, ние създаваме концептуалната и музикална основа за всичко останало. Барабаните често поставят основата за синхронизирането на песента, докато басът често е отговорен за нотите, които определят и затвърждават реда на акордите. Ако работите в по-експериментални жанрове, които не използват тези традиционни инструменти, все пак трябва да има елементи, които могат да се считат за основни. Може би това ще бъде слой с някакъв вид бръмчене или нещо, което създава повтарящ се ритъм.
2.Започнете с това, което чувате. Много музиканти никога (или много рядко) не стигат до спонтанни музикални идеи - музиката се създава в процеса на активна работа. Ако имате достатъчно късмет да чуете оригинални музикални скици в главата си, тогава абсолютно трябва да ги използвате като основа за вашата работа. Например, имате мелодия в главата си, която мърморите под носа си, или ритъм, който почуквате по масата. Не отхвърляйте тези идеи само защото са ви хрумнали извън контекста на активно записване на музика. Напротив, подобни инциденти трябва да са най-интересното нещо, което имате.
3.Започнете стова, което знаете. Ако свирите на "истински" инструмент, опитайте да го използвате, за да генерирате свои собствени идеи. Дори ако сте чисто писател на електроника и не планирате да записвате звук на живо, докато работите, вашата естествена връзка със собствения ви инструмент може да ви помогне да измислите по-интересни и органични музикални идеи, отколкото бихте измислили само с мишка и MIDI контролер. Например, китаристите са склонни да удрят акорди и да създават хармония по малко по-различен начин от клавиристите. Въпреки това, поради факта, че последните де факто контролират цялото пространство за прехвърляне на музика в цифрово студио, много китаристи може никога да не обмислят използването на своите инструменти в контекста на запис на електронна музика. Що се отнася до барабанистите, те рядко свирят бийтовете, използвани в повечето електронни музика. Но ако вие лично седите на барабана, тогава може би това ще ви подтикне към такива идеи, които може да изглеждат чужди зад контролера. Целият трик с този подход е внимателното пренасяне на акустичната идея в електронното пространство. Но е по-добре да имате такъв проблем, отколкото изобщо да нямате идеи.
Проблеми при създаването / Създайте широко, не дълбоко
Проблем:
Докато напредвате в създаването на песен, винаги внезапно сте завладени от желанието да доведете някакъв конкретен аспект до пълно съвършенство. Например, вие сте заети с идеята вашият барабан да звучи само отдясно. Можете да прекарате много време зад този процес и резултатът най-вероятно ще ви разочарова, което може напълно да ви обезкуражи да работите по-нататък върху пистата.
Ако вече знаете, че в крайна сметка ще трябва да подобрите всеки аспект на проекта, може биима ли някакъв компромис, който ще ви помогне да направите поне някои от подобренията в процеса?
Решение:
Особено в ранните етапи и по средата на работата, когато самите идеи може още да не съществуват, прекомерното задълбочаване във всяка една област може да навреди на целия процес. Да, така или иначе ще трябва да поработите върху детайлите. Но етапът на генериране на идеи е не само изключително важен, но и много, много крехък. По дефиниция това е много хаотичен процес, който не се стабилизира добре, особено когато се сблъска с външни фактори. Генерирането на идеи изисква експериментиране, поемане на риск, мислене извън кутията и т.н. От друга страна, работата върху детайлите е напълно различен вид работен процес, който изисква определен ход на мисълта. Тук трябва да мислите много внимателно и концентрирано. Често в такава работа е по-добре да разчитате на известни методи, отколкото да се опитвате да откриете фундаментално нови направления.
Когато сте в режим на генериране на идеи, най-добре е да се съсредоточите върху мащабна работа: изхвърлете идеите от главата си и ги вкарайте в секвенсера възможно най-скоро, преди да започнете да работите в дълбочина върху отделни части. Този метод може да бъде полезен поради редица причини:
1. Помага ви да се научите да слушате, за да видите потенциала в песента, а не съвършенството. По време на голям процес на генериране на идея, части от проект могат да звучат зле по някаква причина. Може би вашето смесване е куца или сте избрали звуци или ноти неправилно. Но вие черпите вдъхновение от музика, която няма нито един от тези проблеми - завършените, мастерирани парчета имат свой собствен професионален чар, който е многократно по-добър от това, което е на вашите индивидуални записи. Това може да е обезкуражаващо, защото дори да вземем предвид факта, че винагиможем да излъскаме някои точки накрая, искаме да чуем крайния резултат сега. И ако музиката ви в момента е несравнима с източниците ви на вдъхновение, как можете да сте сигурни, че се движите в правилната посока? Ето защо тук е важно да се научите да слушате през всички несъвършенства. Вместо да си мислите „Тази бас линия не звучи достатъчно мощно“, кажете „Тази бас линия може да звучи достатъчно мощно с някакъв звуков дизайн и смесване“. Като се научите да чувате повече от просто липсата на определени импулси, вие ще станете много по-добър преценка на вашата креативност и ще започнете да разбирате дали дадена част (или цяла песен) се движи в правилната посока или не.
2. Творческият процес е мимолетен и затова трябва да действате бързо. Както споменахме по-рано, етапът на генериране на идеи е много крехък. Това е единственият етап от създаването на музика, върху който нямате контрол. Така че, когато се появи, трябва да изтръгнете от себе си колкото можете повече идеи, да работите възможно най-бързо и да генерирате възможно най-много материал, преди умът ви да излезе от тази фаза. След като хванете правилните идеи, работата по усъвършенстването им понякога може да изисква много по-малко творческа енергия.
Проблеми на финалния етап / Подреждането като субтрактивен процес
Проблем:
Да приемем, че имате достатъчно идеи, за да направите цялостна композиция, но нямате идея как да ги подредите в една последователност. Дори процесът на подреждане изглежда плашещ. Как е възможно да се започне от някъде тук, да не говорим за финалния етап? В контекста на правенето на музика на контролер, аранжирането означаваместоположението на отделни части от песента върху времевата линия. Да предположим, че имате голямо количество материал, но това е процесът на подреждането му в определен ред, който ще се разкрие по време на възпроизвеждане и ще направи пълноценна песен от вашите заготовки.
Процесът на преход от режим „купчина глупости“ към режим „пълноценна писта“ е сложен както концептуално, така и технически. Най-често използваният метод при аранжирането, обикновено най-баналният, е постепенното запълване на празнините с различни комбинации от готовия материал, движейки се отляво (от началото) на дясно (към края). С този подход времевата линия е като празно платно, върху което нанасяте боя, докато от празното пространство не излезе завършена картина.
Този метод със сигурност работи. Но да се сблъскаш с празнотата винаги е страшно. Дори и вече да сте прекарали достатъчно време в подготовката на материала, който планирате да използвате, все пак завършвате с това, което може да изглежда като ново начало. Първите стъпки винаги са трудни и празното платно (или времевата линия) може да бъде онзи умствен мост, който не е лесен за преминаване.
Решение:
Ако се окажете заседнали в етапа на подреждане, има един процес, който ще ви помогне. Започнете незабавно да попълвате цялата времева линия, всяка песен, с материал. На този етап трябва да отделяте възможно най-малко време за мислене - целта ви не е да създадете добра подредба. Просто трябва да започнете поне отнякъде. Всичко е наред, ако изведнъж не знаете колко дълга ще бъде песента ви. Просто вземете средната дължина на песента (или малко повече) като основа и запълнете времевата линия по всякакъв начин, който е най-бърз за вашия софтуер - било то блок копиране-поставяне или разтягане на продължителностфрагменти.
Най-вероятно вече имате някаква представа за разделянето на материала на отделни фрагменти. Може дори да сте назовали някои раздели, като „Стих“ или „Припев“, за да ги организирате по-добре по време на аранжимента. Но не се тревожете твърде много за това. Достатъчно е просто да вземете малко идеи от всяка песен и да запълните празното пространство. Това не трябва да ви отнема повече от 20 секунди. Похарчени повече? Така че се опитвате да вземете някои творчески решения. Например, вие си мислите: „Вече знам, че този блок от идеи ще дойде преди този блок, така че веднага ще ги подредя в този ред, за да спестя време по-късно.“ Устояйте на изкушението да организирате нещо на този етап и просто вървете възможно най-бързо.
След като завършите времевата линия, процесът на създаване на музика от вашия аранжимент става по-скоро субтрактивен, отколкото допълващ се. Когато традиционното подреждане е като рисуване, субтрактивният подход е по-скоро като скулптура. Започвате със солидно парче груб материал и след това постепенно отрязвате излишното, създавайки пространство там, където го няма, вместо да запълвате празнотата.
Този подход може да бъде много по-продуктивен поради редица причини. Например, често е по-лесно да чуете, че нещо звучи зле, отколкото да си представите, че няма нищо лошо в този елемент. Ако определена комбинация от идеи изглежда безсмислена музикално, можете просто да се отървете от нея и стъпките за коригирането й ще бъдат съвсем очевидни. Може би някой елемент е твърде силен или басовата линия нарушава хармонията. Освен това, като слушате определени звуци отново и отново, най-вероятно ще се научите интуитивно да усещате, когато част свири твърде дълго - вашата собственавкусът ще ви подскаже, че е време да промените нещо.
Ако работите в жанр, в който плътността на текстурата се увеличава и намалява в хода на песента, вероятно вече имате свои собствени, по-плътни части от завършен материал. В един момент вероятно ще откриете, че можете да работите назад от края на песента към началото, като премахвате все повече и повече елементи от синхронизирането.
Разбира се, този списък със съвети далеч не е пълен и обхваща само общите точки за създаване на песен. Тук не се дават готови рецепти за приготвяне на хитове, а и едва ли има. Въпреки това, това е изключително разбираемо и полезно четиво за всеки, който е нов в трудния бизнес на звукопроизводството, както и за обикновени слушатели, които се интересуват от техническата страна на въпроса. Създавайте, практикувайте, правете грешки, намерете своя собствен стил и звук. Кой знае, може би ще станете „следващото голямо нещо“, независимо от жанровите обвързвания