Изкуството на опитомяването приключи "Фестивалът в Авиньон - 2017" - Afisha Plus
Един от най-големите и значими театрални фестивали на планетата, Festival d'Avignon, приключи в южната част на Франция. Според резултатите на организаторите, 300 представления са показани на 39 места за 20 дни на фестивала, общо 152 хиляди зрители от цял свят са посетили формите. Кореспондентът на Фонтанка беше един от тях.
Festival d'Avignon е не само най-големият, но и най-старият международен европейски театрален фестивал с богата история. Организиран е през 1947 г. от известния френски режисьор Жан Вилар, привърженик на популярния театър, театър за хората, като арт терапия за следвоенната депресия, която се разпространява в цяла Европа по това време. По същата причина той се установява точно в южната част на Франция. В първите години на фестивала се събират само френски и в същото време повече или по-малко традиционни театри. За което Вилар първо беше обвинен от революционните критици в „национализъм“ и дори „сталинизъм“, а след това, когато започна активно да кани театри от други европейски страни, в „космополитизъм“. Междувременно театралните революционери решават да организират своята извънпрограма в Авиньон - за разлика от "рутината" - и го правят през 1967 г. в двора на кармелитския манастир от XIV век, въпреки факта, че основното място на фестивала Вилар е Cour d'Honneur на Папския дворец (Авиньон се счита за официална резиденция на папите от 1308 г.). Така имаше двойна програма на фестивала – In програма и Off програма.
Така че, ако някой от вашите приятели театрали ви каже, че е участвал във фестивала в Авиньон, не бързайте да се възхищавате и поздравявате - първо попитайте в коя програматой участва: В или Изкл.
От друга страна, точно тези плакати изцяло покриват стените на средновековните сгради, обличат тротоарни стълбове, играят ролята на покривки на маси в кафенета, както и групи от хора в различни костюми, организират мини представления пред ресторанти, бутат флаери в ръцете ви по тесни улици, отвличат ви от сутрешното кафе в кафене с безкрайни истории за представления и създайте онази специална атмосфера на фестивала в Авиньон, която няма да видите отново. отидете никъде по света. Градът живее фестивален живот денонощно (вижте фоторепортажа), тълпите по улиците не пресъхват до пет сутринта, градският транспорт не спира да работи горе-долу по същото време и е напълно неразбираемо как стандартните редовни автобуси успяват да маневрират в тесни улици и дори между редиците от автомобили, паркирани от двете страни. Всяка вечер, връщайки се от последното представление - обикновено започваше в 22-23 часа и свършваше дълбоко след полунощ, поради простата причина, че театралното осветление "работи" само в пълна тъмнина, а повечето зали в Авиньон са отворени, това са дворовете на средновековни манастири, църкви, лицеи - наблюдавах маневрите на автобуса от прозореца и това беше зрелище, не по-малко вълнуващо от добрия холивудски екшън .
Укротители на думи, или пътищата на изгнаниците
Що се отнася до основната програма, с пристигането на бившия ръководител на театър "Одеон" в Париж, режисьор и драматург Оливие Пи, тя стана по-спокойна по отношение на експериментите с пристигането на художествения директор на фестивала в Авиньон. И очевидно проблемът с политическата коректност, с други думи проблемът с имигрантите, не беше на последно място за мосю Пи при съставянето на плаката за Авиньон 2017.
Само един спектакъл е пряко посветен на тази тема - "Сайгон" на млад французинрежисьор от виетнамски произход Каролина Гвиела Нгуен. Това е продукция на нейната собствена компания Les Hommes Approximatifs (Приблизителните хора), която съществува вече седем години. Каролина и нейните съмишленици събират дълбоко лични, интимни истории на хора, свързани с геополитически катаклизми. „Сайгон“ е посветен на семейната история на самата Каролина, която е родена в Париж от смесен брак на виетнамски имигрант, избягал от Сайгон, след като французите го напускат през 1954 г., и роден французин. Идеята за създаване на такова представление се роди, когато режисьорът и майка й отидоха в историческата си родина и я помолиха да се пазари на пазара. Майката говореше на родния си език, което продавачите посрещнаха с добродушен смях, обяснявайки на Каролина, че езикът, на който говори майка й, отдавна е изчезнал. „Шокира ме“, каза Каролина Нгуен пред вестник Liberation, „че майка ми мисли и говори дори не на различен език, а в различно време.“ Друга формулировка, която порази режисьора, беше чута от нея от един от интервюираните бежанци в Париж: „Синът ми е първият ми близък чужденец в живота ми“. „Ние наистина сме чужденци за нашите майки – в това има дълбока драма“, подчерта Каролина. И пиесата "Сайгон", според нея, се е родила, защото внезапно е поискала да види виетнамците на сцената, да чуе техния език.
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
Сценографията на спектакъла е павилион, в който се вписва виетнамски ресторант, наречен „Сайгон“, пресъздаден най-детайлно, до детайли: кухня, кацнала отляво, и просторна зала за посетители. Сюжетът напомня на мексикански сериал - хората се карат, помиряват, женят, децата не разбират родителите си и обратното - норежисьорът не губи ключова за нея тема в нито един епизод: синът не само не разбира майка си, той не разбира майка си, която внезапно се обръща към него на виетнамски, а друга млада виетнамка изпада в истерия, когато случайно вижда, че приятелят й пее от сцената на ресторанта на френски и за французите. Въпросът тук е, че млад мъж, който е забравил родния си език, е герой от 90-те години, а патриотичната героиня е от 50-те години. Действието прескача между средата и края на миналия век. И въпреки факта, че сред виетнамските артисти има аматьори (режисьорът, според нея, не можа да намери толкова професионалисти от етническия театър, колкото й бяха необходими), актьорите играят майсторски. Донасяйки на публиката болката, отчаянието, безсилието на обикновените хора пред лицето на глобалните политически катаклизми. Една от най-добрите роли в пиесата е образът на възрастна готвачка на име Мария, която чака през цялото представление да се намери синът й, с когото съдбата ги разведе по време на бягството, но по-близо до финала тя научава от една от посетителите на ресторанта, французойка, съпруга на голям чиновник, че синът й е починал - изигран от актриса от аматьори, която в действителност работи като готвачка. Каролина Гвиела Нгуен разказва любопитна история: през цялото време на представлението тя не успява да убеди изпълнителя, че след сцената, когато ревнивият съпруг на собственичката на ресторанта нахлува в кухнята и я обръща с главата надолу, тя не бърза да почисти тази кухня, че монтьорите ще го направят. „Не, той разби кухнята ми“, оплаква се изпълнителката и веднага започва сама да почиства кашата.
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
голямтеатърът е престанал да се страхува и от жанровете, както е престанал да се страхува от изобилието на текст - напротив, разчита на тях. Дори една детска история „Тъги и радости в живота на жирафите“ по пиеса на португалския режисьор и драматург Тиаго Родригес е поставена като игра на материализация на думите, в която се повдигат доста глобални проблеми. Именно с помощта на думите в този спектакъл нещата и героите като цяло се превръщат в много конкретни неща и герои. Мини-лекция за „не чайка като цяло, а много конкретно нещо, което е много важно за мен и затова стана моя работа“ се чете от сцената от герой на име Чехов, а актьорите през целия спектакъл въплъщават неговите уроци – те говорят за нещо много важно за тях, от политика до педофилия, започвайки с думите: „Това съм аз. Аз съм жираф” – и нищо друго не е необходимо, нито декори, нито костюми: героите и сцената са облечени директно в думи, събуждайки въображението на публиката. Е, може би в името на театрална шега някой от артистите внезапно ще облече абсурден мечешки гащеризон от детско матине.
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
Името на драматурга на детската пиеса не е споменато случайно. Именно Тиаго Родригес, който сравнително наскоро оглави Националния театър в Лисабон, постави най-концептуалния спектакъл на Фестивала в Авиньон - 2017: Sopro (фр. Suffle, съществително със същия корен като думата "суфльор", руски Дъх). Това е симбиоза от документален и писателски театър – едно интересно, макар и може би малко дълготрайно размишление върху театъра като цяло. Героят на спектакъла Кристина Видал, корпулентна дама в черни панталони, риза и бял чаршаф в ръце, не слиза от сцената от началото до края на действието. Освен това тя - истински суфльор на Народния театър - продължава да върши пряката си работа - да дава реплики.герои. Но в хода на действието от чисто функционална единица тя се превръща в демиург, променяйки текстовете на класиците в съответствие с житейските ситуации на артистите от своя театър, чиито съдби се виждат от суфльора като мета-пиеса.
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
В ключовите моменти от действието, според идеята на режисьора, над сцената трябва да гърми и да проблясват светкавици и точно по това време на открито – двора на вече споменатия манастир на Кармалите – задухва най-силният мистрал, познат на редица южнофренски градове. Вятърът издуха леките бели завеси на декора до решетките, отваряйки задкулисието и сякаш действайки в синхрон със суфльора, като герой на някаква много универсална пиеса, в която неочаквано участници станаха самите зрители.
По-очевидна магия на думите, театрална магия, обикновено е трудно да си представим.
Голи хора, или Виват деконструкция!
Но на фестивала имаше и два значими спектакъла без думи, но много красноречиво изразяващи се на езика на пластиката, много оригинално. Това са "Чудовища на сцената" на опитния режисьор от Сицилия Ема Данте и "Великият укротител" на художника от Гърция Димитрис Папайоану. И в двете творби на сцената има голи хора, и двамата режисьори използват тези тела като изходен материал за нови структури – изповядвайки принципа на „изобретателската деконструкция“, провъзгласен от ключовия съвременен философ Жак Дерида, но го правят по съвсем различни начини. В същото време всеки по свой начин (и отново по логиката на Дерида) се бори с основния порок на днешното съзнание – догматизма.
Ема Данте незабавно лишава екипа си от актьори от всякаква защита: веднага щом излязат на сцената в ярки дрехи, те веднага хвърлят тези дрехи и остават, каква е майка имроди - но тъй като героите са на сцената, а не, да речем, в банята, голотата, колкото и парадоксално да звучи, веднага се превръща в техни "дрехи", провокирайки поток от подходящи асоциации. Голите хора на гола сцена - а в представлението също няма декори и музика - с безпомощността си приличат на животни, деца или глупаци и веднага включват стадния рефлекс, който през по-голямата част от сценичното време изглежда като карнавален лек и смешен. Но основната идея на работата на Ема Данте изобщо не е смешна: всички реакции на тези хора на сцената са реакции на стадото, чак до последната сцена, когато героите стоят, вкопчени един в друг, без да знаят откъде да очакват опасност - реакциите на хората, сведени до животинско състояние, които, уви, не са толкова редки в нашата съвременна реалност.
Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге
„Великият укротител“ на Димитрис Папайоану е може би най-аполитичният спектакъл на този фестивал. И може би най-духовитият. Тук принципите на деконструкцията и антидогматизма достигат абсурдна граница в най-положителния смисъл. Нещо, но изобретателността на Папайоана определено не бива да се занимава. Сцената, покрита с правоъгълни килими, които се сблъскват едно с друго като драконови люспи, разкрива много скрити люкове в хода на действието. Оттам се появяват дори не тела, а части от тела. Режисьорът ги използва като конструктор, покривайки с черни дрехи ненужните за никоя фигура части от тялото на актьорите. И така, от два крака на различни мъже и едно женско тяло се получава великолепен кентавър, а краката и ръцете на човек, появил се от недрата на земята, могат да се „търкалят“ на разстояние няколко метра един от друг и да се плъзгат дълго и бавно.
Снимка: (c) Julian Mommert JCM
В същото време самият директор се втурвагалоп през епохите. Необходими са му няколко минути, за да изпрати перфектното тяло на древен младеж в анатомичния театър на Ренесанса, където той безопасно се освежава, като организира храна от вътрешностите му. Има безброй такива вицове, разпръснати из пиесата и трябва да кажа, че това е може би единственото правилно и благородно занимание в театъра в момента: да бъдеш укротител на всякакви догми и традиции – безмилостно да им разпориш вътрешностите, да ги разчлениш на хиляди парчета от това „Лего“, за да изградиш нова театрална реалност.
Жана Зарецкая, Авиньон - Петербург, Fontanka.ru